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Mamen Hernández

Mamen Hernández

Danza maldita en la noche

Cristiane Azem habla de Night, su nuevo espectáculo en el Teatro Galileo

Cristiane Azem

Sus anteriores producciones seguidas por más de 30.000 espectadores y todo el entusiasmo que pone al explicar su trabajo dan cuenta de la pasión de Cristiane Azem por la danza. La bailarina brasileña lleva desde los 12 años moviendo su cuerpo con una indiscutible formación técnica en diferentes estilos, siendo las danzas orientales su especialidad y dedicación. Ahora, tras un trabajo previo de estudio, vivencia y experimentación corporal llevará al escenario del Teatro Galileo su próximo proyecto, Night. Un espectáculo que codirige con Myriam Soler y que aúna la danza oriental con tintes góticos y la inspiración de los poetas malditos y la literatura de lo monstruoso.

Cristiane Azem habló con Baldosas Rojas de esta obra que podrá verse del 5 al 8 de junio.

¿Qué veremos sobre el escenario? ¿Qué es Night?
Night es la puesta en escena de números de danza con un ingrediente potente de teatro gestual. Somos especialistas en danzas orientales y en esta obra hemos elegido la danza tribal como técnica base del espectáculo pero haciendo un guiño al lenguaje gestual de las compañías de Corea y Japón. La puesta es muy teatral porque tiene influencia del oriente más lejano, del butoh y este se apoya mucho en la expresividad, el gesto lento.

¿Y cuál es la historia que intentaréis plasmar con estos movimientos?
Night tiene como guion básico una especie de paralelo de tres dimensiones de vivencias: la real, la literaria y la onírica. La Lectora es quien lleva el hilo conductor de la obra, un personaje que aparece como real, pero cuya avidez por leer hace que se materialicen sus personajes literarios y sus sueños. Lo que la obra despierta en ella hace que se mezclen unos referentes de la vida real con referentes de la literatura y con sus deseos profundos de su mundo onírico. 

Siendo tan importante la literatura en la obra, ¿qué autores aparecerán?
Cuando empezamos el trabajo pensamos solo en influenciarnos por dos personajes clave de la literatura del XIX: el Frankenstein de Mary Shelley y Drácula de Bram Stoker. Pensamos en Frankenstein como la obra absolutamente paradigmática por toda la pasión que despertó en el siglo XX y como trastocó la mentalidad de los lectores decimonónicos al ser un referente de la criatura, el monstruo y el creador... Otro referente importante de lo onírico y lo fantástico de casi todas las mujeres de finales del XIX y de este siglo fue Drácula. Teníamos en mente estos dos ejemplos, pero en el proceso de creación estuvo muy presente el estudio de los poetas malditos. Y por eso decidimos integrar con sutileza algunos poemas de Baudelaire y Rimbaud o incluso la literatura de Lord Byron y Poe.

Y la mujer, como lectora, como personaje, ¿qué papel juega?
Nuestra escuela de danza tiene el grupo de estudio llamado Mujeres Malditas, un colectivo que tiene un vínculo real con la creación entre mujeres. Para nosotras el final del siglo XIX es un punto muy importante de inflexión en el papel social de la mujer. Mary Wollstonecraft, madre de Shelley, era una persona importantísima en el movimiento feminista europeo. Hay un vínculo entre Shelley y la cuestión de la educación femenina que desembocó en el sufragismo, por lo que simbólicamente la obra representa la posibilidad de la mujer de ser independiente intelectualmente, acceder a un mercado de trabajo y sostenerse económicamente sola. Nosotras hemos plasmado en la obra una habitación para la lectora como referencia al cuarto propio de Virginia Woolf. Simbolizar que el libro no es solo una cuestión de ascensión intelectual y de activismo político, también es una posibilidad de libertad en los sueños. La cuestión de la sensualidad, de aceptación del yo oculto, del bien y del mal dentro de uno mismo. Entonces La lectora pasea entre el lirismo, el deseo y la fascinación de lo que puede ser monstruoso como es el propio Drácula y la sensación de amor no entendido como el amor cortés, sino de pasión y de libertad femenina.

Cristiane Ezem (izquierda) con su equipo

Esta idea de mezclar el mundo de lo real y onírico de ¿dónde nace?
Esto nace de un trabajo vivencial que hemos hecho en la escuela con el núcleo de trabajo de Mujeres Malditas. Fue una necesidad mía de volver a un yo anterior ya que siempre he sido una apasionada de la literatura. Cuando vine a España tenía fascinación por Lorca y en Brasil uno de mis poetas referentes era Fernando Pessoa, así que invité a las chicas a crear un núcleo de estudios llamado Mujeres Malditas como un homenaje a estos autores y especialmente a la literatura de Baudelaire y al Libro Las flores del mal. Y con esto se unirían lenguaje de danza con literatura, no de cara a crear una actuación, sino de cara a crear un proceso: buscar qué música y sentimientos pudiera expresarnos esa literatura. Hay que decir que este proyecto nació con el deseo de Myriam Soler, que es la otra autora, de hacer algo con los poetas malditos. Y darle a esta actuación tintes góticos y orientales y la influencia del minimalismo japonés.

También hay vídeoarte en este espectáculo…
Dentro del proyecto Myriam quería crear un vídeo con algunos de los artistas de vídeocreación que pudiera reflejar parte del proceso que tenemos detrás de la puesta en escena. Hemos invitado a tres artistas a crear vídeos para la obra y para el núcleo de trabajo posteriormente.

¿Qué diferencia esta obra de las otras que has hecho anteriormente?
Nuestras otras obras eran de otro aspecto. Esta una puesta en escena lejana al mundo oriental, que no de la danza oriental. El resto de obras estaban orientadas a la cultura del Medio Oriente, los gitanos, eran mucho más vivas visualmente, más coloridas en la puesta en escena. Esta obra, que tampoco recurre a clichés del mundo gótico con lo que sería más fácil, es muy delicada, tiene un ritmo musical bastante más suave y parte de la música es en directo.

¿Cómo es la Escuela de Danza y Arte que diriges?
No es solo no es solo una escuela de danza oriental, sino que busca tener profesores invitados de varias áreas. Por supuesto la base de trabajo, la mía, es de danza oriental como lenguaje y danzas orientales como concepto. El perfil de la escuela es un centro de arte con núcleos de producción y creación de ámbitos distintos y para cada núcleo de creación buscamos los profesionales que nos pueden aportar otro tipo de formación que complemente a la danza como puede ser el literario o el histórico. Así que tenemos clases teóricas y alumnas de todas las edades.  

¿Qué situación vive la danza oriental en nuestro país?
La danza oriental tal y como se trabaja en España es muy alternativa en lo que se refiere al mundo de la danza y así tiene que ser porque es muy difícil esquematizarla y ponerla en escena con un nivel alto. Todavía. Creo que es un trabajo de años, al igual que sucede con el flamenco, que ha vivido muchos años de desarrollo para llegar adonde está como danza escénica, porque una cosa es el equipaje cultural y la fuerza que pueda tener un arte y otra cosa es hacerla un vehículo para contar historias y poder acceder al poder artístico que requiere estar una temporada en un teatro. Yo creo que se necesita todavía bastante desarrollo, pero ahí estamos los profesionales para intentar que ese camino se cumpla.

Night se representará del 5 al 8 de junio en el Teatro Galileo 

El violín en directo de Héctor Valera "Fiddleloop" pondrá la banda sonora a escenas de estética steampunk y dark que contará también con la música de Balanescu, Philip Glass y Wendy Sutter, entre otros.

El cuerpo de baile de Night está integrado por 23 bailarinas procedentes de la Compañía de Danza de Cristiane Azem y de su Estudio de Danza y Arte.

 Artistas colaboradores

Vestuario:  Colaboran los diseñadores Nikita Nipone, Pier Paolo Álvaro  y Gala Ramírez.

Proyecciones visuales: Sara Phillips Alcamí, Andrés Amorós, Gabriel García y la artista conceptual y bailarina Marta Serna.

El proyecto cuenta con la participación del artista de teatro gestual Fernando Cea.

 

Fantasía y terror se asoman a la pantalla

El Festival Internacional de Cine Fantástico se celebrará del 26 de mayo al 1 de junio en los cines Palafox

Cartel de Madrid Nocturna Madrid vuelve a ser foco de propuestas fílmicas con una temática común: el cine fantástico y de terror. Del 26 de mayo al 1 de junio, la capital celebra en los cines Palafox  Festival Internacional de Cine Fantástico Madrid Nocturna. Esta es la segunda edición de una cita que mostrará cintas en competición y rendirá homenaje a Tobe Hooper, director, escritor y productor, cuya trayectoria se consagró con la película de terror La matanza de Texas. Estrenada en 1974, el filme revolucionó el cine del terror del momento y está considerado como uno de los más influyentes del siglo XX.

Esta producción, así como otras tantas realizadas en la misma línea, son motivos más que suficientes para que Hooper reciba el próximo 29 de mayo el galardón Maestro del Fantástico en un evento en los Cines Palafox.

Revisa aquí las películas presentadas a competición.

También puedes echar un vistazo a las cintas que se proyectarán sin entrar a concurso. Además, el festival contará con actividades paralelas durante su celebración.

Versos frente al micrófono

Poetry Slam Madrid se celebra una vez al mes en El Intruso 

Pepe Ramos durante su actuación

Cada vez encontramos más actividad de recitales donde la poesía gana sustancia cuando sale del cuerpo, cuando se transforma en voz y adquiere el tono, ritmo y color que le dan sus creadores. Las Jam Sessions de poesía cada vez son más populares en la capital y adquieren más adeptos, no solo poetas, sino el público que quiere disfrutar de las palabras. Baldosas Rojas asistió a una de las sesiones de Poetry Slam Madrid que se celebran cada mes en El Intruso. Una batalla de 12 poetas plantados cara a micrófono para soltar sus versos durante 3 minutos.

Se trata de una "competición" de poesía en la que los participantes no pueden hacer más uso que el de su mente y su voz. No pueden emplear su cuerpo, quitarse ropa, ni portar espejos, ni ayudarse con ningún objeto que no sea un trozo de papel o el cuaderno en el que tienen apuntada su creación. El público escucha atento mientras tanto. Aquí nadie tira tomates, nadie exaspera, nadie reclama. Sí que hay vítores, aplausos y notas. Y mucha emoción. 

Yanito, el presentador de Poetry Slam Madrid, se mueve por el escenario, capta la atención de los asistentes y potencia un evento dinámico y divertido, dando a conocer a los nuevos asistentes y recordando al público habitual, el funcionamiento de la sesión. Los poetas deben recitar durante 3 minutos y a continuación los jueces votan. Pero, ¿quiénes son los jueces? ¿Cómo puntúan? Los calificadores son 5 personas del público elegidos al azar por 5 pelotas lanzadas por el presentador. Estos tendrán que valorar en sus pizarras con cifras del 1 al 10 la actuación de los poetas que con sus letras emocionen, remuevan los cuerpos en las sillas del público, hagan contener la respiración, creen sensaciones personales. O, ¿por qué no? Hagan resonar las risas. De todas esas votaciones, se eliminará la nota más elevada y la más baja y las suma de las tres restantes será la calificación definitiva para el poeta. Tres serán los finalistas más votados del evento, que volverán a recitar sus versos para que el público con sus aplausos decida al ganador.

Karim durante la interpretación de su poesía

Una vez las reglas exprimidas, Yanito va llamando uno a uno a los poetas de la noche. La primera intervención de la noche no es la de un concursante, sino la del invitado del evento. En palabras del propio presentador, se trata esta vez de un “mastodóntico del mundo poético”, Pepe Ramos, que con aforismos y poemas canallescos abre la veda a la riada de versos.  “Curiosamente nos hablan de la otra mejilla los que más reparten las hostias” o “Cuando vivía junto a la estación, tenía la sensación de estar de paso. Ahora vivo junto al cementerio y la sensación es la misma” son algunas de las palabras que regaló Ramos a los asistentes.

Curiosamente nos hablan de la otra mejilla los que más reparten las hostias Pepe Ramos

Siguieron a esta actuación los poemas de autores como José Luis Álvarez, Aurora Boreal, Karim, David Sánchez Sagrario, Diego Mattarucco, Lizántropo, Luciano, Pablo Cortina o Álvaro Pelegrín, entre otros participantes, que lanzaron sus inquietudes, aforismos, el rescate personal a su mundo interior, el imaginario amoroso, la sátira al programa del corazón o la cacofonía del comer. También se habló de esa chica que prefiere al chico de calle en lugar de Alejandro Sanz, el dolor del maltrato o el lamento hiriente de una violación. Cualquier tema es digno de verso en Poetry Slam Madrid, y desde el dulce al político, desde el grotesco al humor -fino a punzante-. Finalmente ganó la batalla Diego Mattarucco con su particular forma de hacer poesía y su pasión por la rima.

Este evento ya lleva años realizándose. La cita se celebra los primeros miércoles de mes en El Intruso. Los habituales siguen acudiendo a estas pequeñas batallas poéticas que gustan de expresar en directo con palabra e interpretación lo que a simple vista sobre papel cada uno medita para sus adentros. Esta práctica, la del espectáculo, ha encontrado algunos detractores, que consideran que Poetry Slam Madrid se acerca más al show que al arte poético en sí mismo, pero lo cierto es que el formato está cuajando e incita a la creación. Solo hay que dejar de lado el miedo escénico, templar los nervios, respirar hondo segundos antes de salir y no dudar ante el micrófono.

La próxima cita de Poetry Slam Madrid será el 4 de junio a las 21.30 horas en el El Intruso (Calle Augusto Figueroa, 3) y contará con la invitada Paula Varjack. La entrada cuesta 6 euros incluyendo consumición.

La asociación cultural sin ánimo de lucro Poetry Slam Madrid coordina esta actividad y los slams especiales y talleres que se realizan cuando algunas instituciones lo solicitan.

¡Participa!

Pincha aquí para ver cómo hacerlo.

 

Surge Madrid, la muestra de teatro alternativo

Surge MadridLas salas de pequeño formato han levantado el telón para ponerse el teatro por montera. El pasado 7 de mayo arrancó el festival Surge Madrid, una muestra que apuesta por el espectáculo escénico con el fin de promocionar los teatros alternativos de la capital.

Estas son las cifras: 444 funciones, 93 estrenos y 31 espacios hasta el 31 de mayo. Una cita que reunirá creaciones vivas, con ganas de mostrarse y de dar visibilidad a las salas alternativas madrileñas. Cada obra tendrá un precio de 12 euros y la entrada se adquirirá en la taquilla del espacio donde vaya a representarse.

Como explican en la propia web del festival, organizado por la Comunidad de Madrid, la idea pretende dar la oportunidad de “promover la creación emergente como reducto natural de las nuevas oportunidades, de potenciar la investigación y el riesgo de nuevas tendencias escénicas y dar cabida a oportunidades teatrales profesionales en un formato reducido". Por este motivo, unos 30 programadores internacionales acudirán al festival para echar un vistazo a las propuestas de la capital y decidir si tienen cabida en las muestras extranjeras.  

Pincha aquí y consulta toda la programación del festival en su página web.

Cuestiones
Pero no es oro todo lo que reluce. La propuesta no ha calado de la misma forma en todas las salas. Algunos directores han mostrado sus reticencias a participar en el evento, como anunciara El País en una noticia el pasado 5 de mayo. En esta información, el diario se hacía eco de las voces de directores de salas madrileñas que quitaban brillo a Surge Madrid y a la Comunidad al considerar que la muestra era un parche pasajero para la salud del teatro independiente, más que una apuesta a largo plazo para elevar el espectáculo alternativo a la categoría merecida. 

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