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Sandra Victori, lenguaje visual de interior

Sandra Victori Cuando comenzó sus estudios de interiorismo en la Escuela de Arte de Terrassa, nada hacía pensar a Sandra Victori (1977) que acabaría en el mundo del cine. Pero la vida te regala por azar giros inesperados a los que bien merece la pena agarrarse. Tras ejercer durante varios años su profesión, su hermano le pidió ayuda con algunos de sus trabajos. “Él quería que le echara una mano en sus proyectos. Como interiorista seguro que podrás plasmar tus ideas a mis decorados”, me decía.

Y así, como un favor familiar, conectando su saber y dedicación por la decoración de interiores, Victori dio los primeros pasos que la han llevado a formar parte del equipo de Arte del cortometraje La Culpa, dirigido por David Victori y Ganador Mundial del Primer Festival de Cine de YouTube, organizado con Ridley Scott y Michael Fasbender, en 2012.

Recientemente acaba de ganar el International Fashion Film Festival (La Jolla) y el Berlin Fashion Film Festival como mejor Directora de Arte por  ‘K Woman’ by Kocca. El proyecto presenta publicidad en formato de cortometraje realizado para la firma de ropa italiana Kocca con los modelos Andrés Velencoso y Eniko Mihalik.

Baldosas Rojas habló con Victori sobre su trabajo en la industria del cine. 

Para ser algo que empezaste desinteresadamente, parece que no te ha ido tan mal.
Pues no, ¡nada mal! Estoy encantada del vuelco que ha dado mi vida. Y mucho más porque es algo que nunca planeé y esto me enseña que a veces tenemos que fluir con la vida y dejar que ésta nos muestre el camino que tenemos que seguir. Incluso, aunque insistí por mucho tiempo en que nunca me iba a dedicar a los rodajes, por el tipo de vida que conllevan, he conseguido adaptarlos a la vida que quiero.

¿Cómo definirías la dirección de arte?
Mucha gente no acaba de entender cuál es el papel de un director de arte. Se trata de diseñar el lenguaje visual. Algunos de los equipos que formamos parte de un rodaje tenemos el papel de ayudar a definir al personaje de ficción. Nosotros lo vestimos con el espacio en el que se mueve, lo definimos y sabemos qué muebles van con su estilo y personalidad. Pero también son los pequeños detalles, desde qué tipo de pluma utlizaría hasta qué marca de cigarrillos fumaría. 

En definitiva, es crear un mundo en el que se sumerge este personaje, y esto ayuda a acabar de definir su personalidad. 

¿Cómo encaja tu trabajo anterior de Interiorista en esta industria?
Tengo que hablar de ventajas. Estudiar Diseño de Interiores me aportó muchos conocimientos sobre el espacio, sobre Historia del Arte, Historia del Mueble, Arquitectura, Iluminación… Y en realidad al hacer decorados es como si me hubieran encargado un proyecto de Interiorismo, pero sabiendo que es efímero, que dura lo que un rodaje, que por supuesto, muchos de los materiales utilizados son distintos.

Hacer un proyecto de interiorismo implica también el conocer a tu cliente, que tonalidades, texturas, espacios y muebles encajan con su personalidad y con su estilo de vida. Esto mismo, pasa con los personajes de ficción.

Recientemente has ganado en dos festivales como mejor directora de Arte. ¿Qué te han aportado estos premios?
Trabajo como Directora de Arte de Hunter & Gatti. Fotógrafos con gran talento y muy conocidos tanto a nivel nacional como internacional. Mi primer trabajo con ellos, me ofrecieron ser Directora de Arte de una publicidad que querían hacer para Kocca, firma de ropa italiana. Se trataba de una publi en formato de cortometraje, un relato a lo Psicósis donde en este caso, toda la fuerza recae sobre la mujer.

Los modelos eran Andrés Velencoso y Eniko Mihalik.  Es muy interesante trabajar con grandes profesionales, tanto Hunter and Gatti como productores como dos modelos tan internacionales.

K Woman by Kocca, que así es como se llama la publicidad, ganó el International Fashion Film Festival como mejor Dirección de Arte y el Berlin FAshion Film Festival, el Bronze a Mejor Dirección de Arte. Dos premios que profesionalmente me ayudan a que mi trabajo sea reconocido. Personalmente, una sonrisa todos los días. 

Un lugar donde escaparte
Cualquier sitio me vale, siempre que pueda estar rodeada de mi gente.

Pon banda sonora a un día feliz.
La vida es bella (Nicola Piovani).

Un director con el que te gustaría trabajar.
Wes Anderson

¿Un ingrediente para ser feliz
Mi felicidad consiste en abrazar lo bueno y lo malo de la vida; reírlo, llorarlo, aprender y crecer.

Un defecto
Soy muy impaciente

Una virtud
Mi gran defecto, ser impaciente. En según qué contexto ¡es muy bueno!

Pieza de atrezzo que serías…
Un diván

Puedes ver su trabajo en www.sandravictori.com

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Fantasía y terror se asoman a la pantalla

El Festival Internacional de Cine Fantástico se celebrará del 26 de mayo al 1 de junio en los cines Palafox

Cartel de Madrid Nocturna Madrid vuelve a ser foco de propuestas fílmicas con una temática común: el cine fantástico y de terror. Del 26 de mayo al 1 de junio, la capital celebra en los cines Palafox  Festival Internacional de Cine Fantástico Madrid Nocturna. Esta es la segunda edición de una cita que mostrará cintas en competición y rendirá homenaje a Tobe Hooper, director, escritor y productor, cuya trayectoria se consagró con la película de terror La matanza de Texas. Estrenada en 1974, el filme revolucionó el cine del terror del momento y está considerado como uno de los más influyentes del siglo XX.

Esta producción, así como otras tantas realizadas en la misma línea, son motivos más que suficientes para que Hooper reciba el próximo 29 de mayo el galardón Maestro del Fantástico en un evento en los Cines Palafox.

Revisa aquí las películas presentadas a competición.

También puedes echar un vistazo a las cintas que se proyectarán sin entrar a concurso. Además, el festival contará con actividades paralelas durante su celebración.

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Cuenta atrás para mojarse con ideas

Zinc Shower llenará de creatividad Matadero Madrid del 23 al 25 de mayo

Cartel de Zinc ShowerComienza la cuenta atrás para el encuentro internacional que aunará cultura y emprendimiento. Zinc Shower ya tiene todo preparado para su segunda edición que tendrá lugar desde el 23 al 25 de mayo en Matadero Madrid. El evento, que pretender ser una cita que canalice la inversión, promoción y colaboración de las industrias culturales, contará con 100 proyectos empresariales que están transformando el sector creativo.

En esta ocasión Zinc Shower no sólo se extenderá en los 10.000 metros cuadrados del recinto de Matadero Madrid, sino que saldrá al resto de la ciudad dando vida a un circuito urbano de actividades con más de 20 sedes. En total se han programado hasta 300 actividades, algunas de las cuales se desarrollarán en las sedes mencionadas.

En un ambiente profesional y en tono festivo, instituciones, empresas, artistas, emprendedores, creativos… se reunirán con el fin de buscar líneas colaborativas y de financiación en los sectores de las industrias creativas.

No faltarán las artes visuales, las escénicas, el mundo audiovisual, la arquitectura, música, Periodismo, videojuegos, así como otras disciplinas que tendrán cabida en este escenario en el que se darán a conocer 100 proyectos empresariales seleccionados mediante una convocatoria abierta.

Para la cita se han organizado desde charlas y mesas redondas (#zinctalks), a talleres (#zinclabs), networkings (#zincnetwork) y espectáculos (#zincshows) que abarcan conciertos, desfiles, danza, teatro, procesos creativos…

Si quieres ver la programación pincha aquí

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Iosu López, pies que miran sobre el terreno

Este joven viajero está cosechando éxitos con su corto documental La alfombra roja

Imagen del rodaje del cortometraje documental 

A Iosu López le gusta atreverse y atreverse con todo. Reportero, aventurero incansable, editor de vídeos, creador de páginas webs, guionista, músico. Este joven orquesta amante del documental y apasionado de los viajes es toda una caja de sorpresas. Su última aventura ha sido dirigir junto a Manuel Fernández el corto documental La alfombra roja, una experiencia visual que les otorgó la nominación al Goya en esta categoría en la pasada edición de los Premios. Pero el reconocimiento no se quedó aquí, sino que este trabajo ya ha recibido numerosos premios, menciones especiales y selecciones en cuantiosos festivales alrededor del mundo.

¿Y de qué habla La alfombra roja? El corto cuenta la historia de Rubina Ali, la niña de Slummdog Millonaire, una menor de 12 años que tras haber rodado una de las películas más exitosas de los últimos años, continúa viviendo en un slum de la India con su sueño latente de querer convertirse en actriz.

¿Por qué te decantaste por contar esta historia?
La idea surge cuando trabajaba de periodista en India en la Agencia EFE entre 2010 y 2011  Manuel Fernández, el otro director, que vino de visita, me propuso hacer algo juntos. Se nos ocurrió hacer algo sobre las escuelas de actores de Bollywood centrándonos en los niños. De todos los personajes que nos planteamos, nos acordamos de los niños de Slummdog Millonaire. Mientras nos documentábamos, descubrimos que había un libro sobre la historia de Rubina en el que cuenta en primera persona cómo es su vida en el slum, cómo es el proceso de casting, cómo conoció a Danny Boyle el director, cómo la seleccionaron y cómo fue los Oscar. Nos llamó la atención que la chica seguía viviendo en el mismo sitio de donde había venido después de haber ido a los Oscar. Entonces empezamos a investigar y nos fuimos a Bombay para grabar tres días y medio.

Cartel de La alfombra roja

Cuándo conocisteis a Rubina, ¿qué os encontrasteis?
Lo que más nos interesaba era contar su historia, sobre todo, cómo es la historia de ella en la India. Ver su forma de vida no es deprimente como muchos puedan pensar. Evidentemente, hay cosas mejorables y luego todo lo contrario, aunque no hay que pensar que la gente pobre es superfeliz porque no conoce otra cosa. Son tópicos que realmente no buscamos. Lo que sí nos sorprendió fue el tono en el que ella contaba las cosas. Su alegría, su esperanza, pero desde el punto de vista de un niño. Es todo muy honesto. El documental está reflejado de una forma muy real, no te sientes fuera de lugar.

¿Sorprende la dureza con la que te puedes topar al hacer documentales de este tipo?
Como documentalista tú cuentas historias y no puedes cambiar la vida. Yo en parte me pregunto cuánto dinero recibieron realmente de salario estos niños al no ser famosos con una película que ganó 8 Oscars y millones de dólares.

En este proyecto has hecho de todo, hasta la música.
Hice la banda sonora del documental, antes había hecho algunas músicas para televisión, alguna cosa suelta y cuando hicimos el corto, me apetecía mucho hacerlo. El resultado tiene una historia curiosa: guitarra española, instrumentos generados por ordenador y una voz que canta, y es la de la persona que llama a la oración en la mezquita. Grabé además la megafonía de la estación de tren donde vive Rubina.

Ahora estás dando la vuelta al mundo con el corto, con selecciones a nivel internacional. ¿Pensabas que íbais a tener tanta repercusión?
Parece un tópico, pero cuando lo terminamos nos quedamos muy contentos con el resultado: fueron 3 días, a más de 45 grados y conseguimos muy buen material para el poco tiempo que estuvimos. Nunca sabes si va a gustar la historia porque hay miles de festivales y opiniones, pero llegar hasta donde hemos llegado ha sido brutal. Llevamos ya más de 80 festivales seleccionados de todo el mundo y la nominación de los Goya. 

Además de este corto documental también has echado semillas en Mochileros TV. ¿De qué va este proyecto?
Empecé esta web en diciembre de 2011. Entre 2006 y 2007 hice un  viaje en solitario por la carretera panamericana desde Alaska a Tierra del Fuego, más o menos 45.000 kilómetros, y de ese viaje, que a lo largo de 11 meses, hice un documental que titulé La costura de América. Esto dio origen a un blog en 2006 que inicié como una forma de contarle a mi familia y a mis amigos qué estaba haciendo durante este viaje. Después de volver seguía haciendo cosas que tenían que ver con los viajes y como nunca he dejado de escribir, quería hacer algo diferenciable. Y entonces aposté por el viajero mochilero que es lo que he estado haciendo durante toda mi vida. Así puse en marcha Mochilerostv.com, proyecto al que se unió Alberto Menéndez.

Iosu López en Egipto¿Qué tipo de información se puede encontrar allí?
Mi idea es intentar hacer que los artículos de la web puedan ser prácticos tantos sus contenidos como los vídeos. Trabajar esto es costoso en cuanto a tiempo se refiere, sobre todo porque queremos intentar hacer series que tengan que ver con los viajes y estén bien producidas. Por ahora he ido colgado La costura de América en episodios, estamos poniendo online una serie sobre el Mongol Rally y tenemos en proceso la serie Egipt trip. Esto está enfocado más en la línea de lo que queremos hacer, que es viajar como mochileros; es decir, cómo te buscas la vida, un café lo más barato posible, etc. Ahora me quiero volcar mucho en el canal de youtube con contenidos que creo que podrían funcionar muy bien en televisión.

¿Y lo próximo?
Me gustaría poder organizar viajes personalizados. Aunque también estoy gestionando ya las redes sociales.

Mientras tanto, Iosu sigue viajando de un país a otro. Tras esta entrevista pasó por Nueva York representando su cortometraje y ahora sus pies lo tienen en otro destino geográfico distinto a la espera no solo de pisar, sino de ver grandes escenarios que plasmar en su blog. Solo una pregunta más. 

¿Cuándo duermes?
Duermo, no sé cuándo, pero duermo. 

 

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Zambrano alegra tu cuello

José Zambrano revoluciona las pajaritas con diseños vistosos y divertidos

Pajaritas José Zambrano

José Zambrano quiere acompañar con un toque colorista y alegre cualquier vestimenta que se precie. El diseñador pacense empezó en el pasado 2011 a diseñar pajaritas “versátiles” para su entorno amistoso y lo que comenzó como un juego entre conocidos fue ganándose el interés de las empresas y el impulso hacia nuevos proyectos. Atrás quedaron sus años de desfile en la pasarela de moda de Valencia. Ahora, con el negocio ya consolidado en Madrid, Zambrano viste desde los cuellos más elegantes hasta los más atrevidos con estampados que gustan igual a grandes a pequeños, hombres o mujeres.  

¿Por qué pajaritas?
Porque las pajaritas que veíamos eran muy aburridas. No nos acababan de encajar y empezamos a hacerlas originales, con estampados divertidos. Son versátiles, flexibles y hay un amplio abanico donde elegir.

José Zambrano posa para Baldosas Rojas

¿De qué material están creadas?
Trabajamos con tejidos de algodones especialmente americanos y otros que vemos susceptibles para las pajaritas, que compramos en las tiendas. Lo que hacemos es buscar tejidos diferentes y divertidos. También personalizamos. Hay empresas que nos piden pajaritas para un evento y diseñamos ahí el tejido. Pero es cierto que si diseñamos el tejido no podríamos hacer tanta variedad y se nos elevarían los costes.

¿Qué tipo de público son los que más consumen?
Son más hombres, pero cada vez tengo muchísimas chicas que se atreven con pajaritas muy grandes. 

¿Cuántos diseños diferentes tenéis?
En torno a unas 150 referencias. Pero hay referencias que se van cayendo porque encontramos retales de varios metros que se acaban porque son tejidos de sastrería con muchos años. Otros sí que podemos continuarlos porque son más generales, como el camuflaje.

¿La pajarita se ha vuelto a poner de moda?
Ahora estamos en un momento donde es tendencia tanto para chicos como para chicas. Nosotros tenemos tres modelos de tamaños: la básica y dos más pequeñas, una de ellas para los niños, aunque también la compran los jóvenes.

Después de esto, ¿regresarás a las pasarelas?
De momento no quiero volver a la pasarela porque creo que tal cual está planteada en España tiene muchas carencias. Y al final lo que te hace que tu marca esté viva es que tu producto lo lleve la gente en la calle, que vengan a comprarte y te identifiquen con él. Eso yo al menos lo consigo con las pajaritas. De la otra manera te quedas muy cerrado a la gente de la moda y no todos tienen la posibilidad de ir a Cibeles. Lo que realmente merece la pena y lo que te hace salir hacia delante es vender, fijar producto, que sea de buena calidad, tener una buena presentación, una buena imagen de marca, además de la accesibilidad.

Y ahora, ¿cuál va a ser el siguiente paso?
Lo que queremos es que la gente lleve pajaritas de Zambrano. Queremos ser accesibles no solo en el precio, sino en que nos conozcan, que puedan venir a nuestro taller, cómo se hacen... que es un producto artesanal.  

¿Contento con este proyecto?
Estoy en un buen momento en mi vida. Siempre supe lo que quería, pero di muchas vueltas, tanteé muchas otras opciones. Y al final la idea inicial que tenía, o el modelo de negocio que quería, es el que estoy aplicando ahora y es el que está funcionando. 

Pajaritas

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, Zambrano ha compaginado su pasión por el diseño y la escultura. Un imprescindible durante siete ediciones en la pasarelas de moda de Valencia con sus colecciones masculinas, este pacense trasladó su creatividad de los desfiles a las producciones industriales hasta que advirtió que había un mercado de pajaritas esperándole. 

 

Venta

Las pajaritas, entre otros, pueden adquirirse en Buylevard, Baleeblu, Dawanda y en breve en su página web que contará con un punto de venta online. También tienen sus productos en tiendas de Madrid y Barcelona.
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El imperio de las emociones de Irene Cruz

La obra de la fotógrafa crea un universo en el que se funden la naturaleza y la mujer 

Imagen de Irene Cruz

Cuando Irene Cruz llegó a Berlín se enamoró de su luz. Con solo mirar su obra, uno puede advertir hasta qué punto la atrapó el impacto lumínico en los paisajes que hoy en día inmortaliza. Su obra es un escaparate visual de la naturaleza, un cosmos que ha hecho propio a través de la simbiosis de este con la figura femenina.

La mujer que aparece en sus imágenes, lejos de personalizarse, se universaliza dejando atrás su rostro para mostrar una emoción. Y ese es el mejor sello de presentación de esta joven madrileña: plasmar emociones. Quizá por eso no ha tenido miedo de desplegar en Arco una instalación fotográfica en la reivindica el poder contemplar una obra de arte. Porque el arte de Irene Cruz es de los que gusta contemplar.

La obra de esta fotógrafa habla en verso visual impregnada especialmente por el universo cinematográfico, la literatura y la filosofía, fuente de inspiración en sus creaciones. La artista ha estado estos días en Madrid para presentar sus proyectos en Art Madrid y en Jäälphoto, donde también ha dado a conocer su libro Blumen, un experimento editorial en el que aúna fotografía con poesía.

Baldosas Rojas habló con la artista sobre su trabajo. 

¿Cómo concibes tu fotografía?
Mi fotografía es como una forma de autoaprendizaje conmigo misma. Siempre busco un tema que me interese y trabajo sobre él. Me documento mucho filosófica y literariamente, leo, busco y profundizo sobre un tema. Por ejemplo, las vacaciones, los límites, dónde están los conceptos… La línea que tiene mi obra en común es la naturaleza, como un todo,  como una divinidad incluso. Para mí la fotografía ahora mismo lo es todo.

En la mayor parte de tu obra la mujer también es muy importante…
Siempre ha habido mujeres porque evidentemente soy mujer y me identifico mucho más con el universo femenino. Es una forma de contar a través de un cuerpo que tú conoces. Cuando me pones un hombre ya es como un reto y es lo que estoy empezando a hacer ahora, introducir la figura masculina en mi obra. Todo evoluciona, nunca me cierro a nada, pero hay una línea de la que no me salgo. Aunque evidentemente siempre me siento más a gusto cuando fotografío mujeres que cuando fotografío a hombres.

Imagen de Irene Cruz

Todas estas mujeres siguen la misma línea.
He creado una serie de personajes y todas juegan a ser yo. De hecho, son mis amigas porque lo he dicho y los títulos de las fotos son sus propios nombres. En otros casos es difícil averiguar si soy o no, pero no busco eso. Quiero que la gente se vea ahí y que pueda ser cualquiera. Me parece que a la hora de adquirir una obra de arte, poner un rostro no conocido en la pared de tu casa te resulta extraño. Yo busco contar cosas que para mí son universales. Trato de contar mi verdad, mi posición frente al mundo y  juego con un universos que he hecho míos a través de la luz, de la estética, del universo de la mujer.

¿De qué obra dispones?
Entre mis proyectos está Inner Tales en 2011, BjörkFlying without wingsFallgillity en 2012 y StimmungAus heiterem Himmel y Mär en 2013. Todos estos mezclan el paisaje, la percepción humana... También tengo uno que trata sobre las vacaciones, el hecho de vaciarte para volverte a llenar.

¿Cómo han influido Berlín y Suecia en tus trabajos?
Me enamoré de la luz en un viaje a Berlín en 2011. Allí hice la serie de saltar en los charcos y vi que eso era yo. Tuve una conexión muy grande con la luz, con el entorno y conmigo misma. Para mí fue como una revelación. Encuentras una serie de circunstancias que te abren luz, y sigues por ahí y funciona. En Suecia busqué otra línea, me tiré mucho por el blanco y negro, cosa que ya no hago.

¿Cuáles son tus autores de referencia?
Sobre todo me inspiro en el cine y destacaría a Terrance Malick, que me fascina porque tiene una obra cinematográfica muy fotográfica. Creo que mi fotografía es muy cinematográfica y por eso ahí encuentro una conexión muy grande. Mi manera de trabajar es muy parecida a la del cine. Cuando hago fotos de los altos elijo fotogramas, también llevo storyboards, aunque siempre me puedo salir del guion. Siempre ocurren cosas inesperadas que luego son muy interesantes.

Imagen de Irene Cruz

Ahora acaba de editar Blumen, un libro con imágenes y poesías.
Empezó con un juego que le propuse a una amiga amiga, le dije que jugara a ser yo y que yo sería ella.  Monté un guión, la vestí como yo, la descalcé. Ella era yo y yo era ella. Luego seguí haciéndolo con otra amiga y seguía jugando porque me gustaba y me producía una sensación nueva. Me hice con una colección de fotos que iba haciendo a mis amigas. Luego surgió la idea de poner poesía  y lancé la convocatoria por redes sociales. La gente respondió muy bien. Y las poesías están está en 12 idiomas.

Estás en Art Madrid, en Jäälphoto… y en Arco también has dejado tu semilla.
En Arco he montado una instalación un tanto reivindicativa por el valor económico de la obra, ya que es una feria que para entrar supone ya un esfuerzo económico. He elegido un tema bastante polémico, pero con toda la educación del mundo. Realicé una instalación compuesta por 24 fotos pequeñas de la serie Blumen y he puesto un texto en inglés y en español en el que explico que es una instalación #blumenarco. Las fotos se regalaban, pero si te llevabas una, tenías que subirla a las redes sociales con la etiqueta #blumenarco. Esta era mi forma de reivindicar el valor contemplativo de la obra. Al subirla a internet la ve mucha gente y aunque lo que voy a ganar es cero, voy a ganar visibilidad en mi obra porque la obra de arte es ante todo poderla contemplar.

Imagen de Irene Cruz

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Date una ducha cultural

Zinc Shower lanza su convocatoria para proyectos culturales

Cartel de Zinc Shower

¿Tienes un proyecto creativo y necesitas impulso? ¿Una idea revolucionaria que aporte frescura e innove el sector cultural? Entonces puedes participar en Zinc Shower. Se trata de un movimiento cultural, entroncado en las Industrias Culturales y Creativas (ICC) con el fin de servir de punto de encuentro internacional entre los profesionales de la cultura y otros sectores.

Conscientes de la transformación que está experimentando la industria cultural, Zinc Shower ha vuelto a lanzar una convocatoria para seleccionar los 100 proyectos empresariales que estén revolucionando las nuevas ICC.  Los interesados tienen hasta el 17 de marzo para enviar sus ideas que serán seleccionadas por un jurado de expertos de distintas disciplinas, desde la inversión al emprendimiento pasando por la cultura y la creatividad.

Las 100 mejores propuestas que pasen la criba participarán en el segundo Meeting-Show Zinc Shower los días 23, 24 y 25 de mayo en Matadero de Madrid, coproductor del evento. Este punto contará con la participación de inversores, profesionales, instituciones, empresas y mentes curiosas para apoyar la innovación, la colaboración y la financiación en los sectores de las nuevas industrias culturales y creativas.

A la convocatoria podrán presentarse proyectos, startups o empresas del ámbito de las ICC: desde las artes escénicas, las artes visuales, la artesanía, arquitectura, cine y vídeo, diseño, diseño de moda, edición, música, publicidad, televisión, radio, software y videojuegos a los que en esta edición se suman la gastronomía y el turismo cultural.  

Porque, según sus propias palabras, Zinc Shower busca “proyectos empresariales que transformen, que replanteen los sistemas de distribución o de comunicación en todos los sectores de las ICC. Startups o proyectos en una fase temprana de desarrollo o creación y propuestas con negocios ya implantados y en fase de crecimiento, expansión e internacionalización. El valor que busca el jurado es la capacidad de transformar los parámetros establecidos en la industria de forma creativa, rentable y sostenible”.

Los proyectos seleccionados accederán a un programa gratuito de formación para reforzar las capacidades de gestión y desarrollo de las ideas. Además, se les promocionará y se les dará visibilidad a través de los canales de Zinc Shower y foros profesionales. Se les asesorará en aspectos tan importantes como el plan de viabilidad, marketing y ventas e internacionalización y se les orientará para que aprovechen al máximo los contactos, la colaboración.

Además, Zinc Shower 2014 trazará un nuevo mapa creativo de Madrid. Desde Matadero Madrid, como punto neurálgico de los cambios en la escena cultural y creativa de la ciudad, Zinc Shower promoverá una ruta de actividades paralelas al Meeting-Show para descubrir los espacios y proyectos que están transformando la capital.

Si quieres presentar tu proyecto o saber más, navega por Zinc Shower

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ELENA SANZ, la actriz nómada

"Uno va donde le dan la oportunidad de ponerse delante de una cámara"

Cine, teatro, series. Ha hecho de todo. Y se ha formado de más, aunque para ella cualquier cosa es poco. Exigente consigo misma, cualquiera diría en un primer vistazo que esta chica de apariencia sensible y niña luego puede derivar en un torbellino. Elena Sanz es actriz y ha luchado mucho, no sólo para aprender a transformarse y a virar en emociones, sino para darse cuenta de que lo suyo es una profesión que cuesta ganarse y de la que hay que convencer. Para ello, ha estudiado en Londres y Nueva York con la idea de conocer su profesión desde distintos puntos de vista. Ahora acaba de rodar Unnerved, una película de terror que se estrenará en breve en la gran pantalla.   

Has hecho cortos, teatro, has participado en una serie. En breve vas a estrenar Unnerved, ¿de qué va? ¿Crees que te va a abrir definitivamente las puertas?
Es una película de terror con un historia basada en fenómenos paranormales. Aunque el uso del género es una manera de darle forma a una película que habla sobre tres personas que han perdido el sentido de sus vidas y que tienen que volver a dárselo para continuar. Creo que va a quedar algo muy chulo. El equipo era muy bueno y todo el mundo dio el 100 por cien. Toda la película es una oportunidad para exponer mi trabajo. Nunca se sabe cómo lo recibirá la gente, aunque creo que tendrá muy buena acogida. Fue un rodaje muy intenso con un equipo pequeño que vivió mes y medio en una cabaña en mitad de un bosque en Maine. Ese amor se tiene que plasmar en la película (ríe).

 

Te fuiste a Nueva York con una beca Fullbright. ¿Por qué Nueva York?
En su momento tuve muchas dudas entre Nueva York y Los Ángeles porque me apetecía mucho hacer cine. Pero pensé que Los Ángeles no me iba a gustar como ciudad. Además, en Nueva York la formación parecía más seria y de mayor calidad. La gente me decía que el actor se forma en Nueva York y trabaja en Los Ángeles. Pensé también en los directores de cine y actores que me gustan y casi todos trabajaban en Nueva York porque tiene una escena muy diferente. Y la industria está, evidentemente, mucho más presente allí. Al final seguí más la intuición que el razonamiento y me autoconvencí por Nueva York y la formación que he recibido ha sido increíble.

También has pasado mucho tiempo formándote en Londres. ¿Qué te aportó?
Los estudios que hice en Londres me despertaron muchas inquietudes sobre otros tipos de acercamientos a la interpretación y otras técnicas. Y me desmintió falsos mitos sobre la preparación emocional. Me dio una formación sólida en un contexto universitario y llegaron mis primeros cortos y películas. Fue la primera vez que me dijeron que ser actor es una profesión: “Ya puedes decir que eres actor”. Se te permite y se te obliga a decirlo. Porque lo eres. Ahora, mientras me siento en la cocina de la que fue mi casa, me doy cuenta de la sensación tan grande de hogar y familia que me aportó.

Con toda esta experiencia de fuera, ¿qué opinión tienes de España?
Me fui fuera muy joven porque me di cuenta de que ser artista en ciertos países era valorado igual que ser médico o profesor, que es una profesión en la que no hay tanto intrusismo. En su día pensé que básicamente se me tomaría más en serio, por eso me fui. Creo que en España hay mucha materia prima para tener muy buenos actores pero que no se enseña todo lo bien que se podría y que la formación no ha avanzado con los tiempos y con el modelo de industria que hay ahora.

 elena¿Te gustaría trabajar aquí?
¡Claro! Me gustaría trabajar en cualquier sitio donde me den trabajos interesantes.

¿Cuáles son las dificultades que encuentras en tu carrera?
El saber que a veces los trabajos están fuera de tu control. Eso hace que te des cuenta de que sólo debes preocuparte de cosas que puedas controlar. También está ese gran grupo de gente con la que compites y el aceptar que tu físico determinará los papeles que hagas, te guste o no. 

¿Qué has aprendido fuera que aquí te resultaría imposible?
Supongo que imposible nada; bueno, aparte del idioma. Pero he aprendido lo que es la importancia de escuchar cuando estás escuchando. Esto se enseña con mucho detalle en la formación Meisner. A "escuchar" no sólo con el oído, sino con la vista, y a que todo momento interpretativo nazca de esta escucha. Esto es lo más importante que he aprendido y en España esta formación aún es muy escasa.

Una vez dijiste que la industria en España necesita un meneo, ¿cómo se lo darías tú?
Un cambio en la formación, sin lugar a dudas.

¿Te vas a quedar en España? ¿Te vas a volver a ir? ¿Por qué?
Me iré donde me den trabajo. No cierro puertas a nada ni a ningún país tampoco. Por ahora volveré a EE.UU.,  que parece que ahí van saliendo cosas muy interesantes. Esto de ser un poco nómada es lo que tiene, que uno va donde le dan la oportunidad de ponerse delante de una cámara

¿Cuál es tu reto ahora? ¿Qué te gustaría hacer?
Me gustaría mucho hacer un papel histórico y algo de comedia, que es más difícil de lo que uno piensa. Ese es mi reto. Además, mi secretillo inconfesable es hacer una película en la que me toque bailar y ya estoy moviendo los hilos y poniéndome a tono.

 

Elena Sanz, actriz

De Santander. Vive a caballo entre Londres, Madrid y Nueva York.

Aquí su perfil y sus trabajos

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Javier Luengo, fotógrafo

"Es una necesidad hacer fotos"

Adosarse a una cámara, pegarla en el ojo, mirar y saber mirar. En los tiempos actuales en los que la innovación va más rápido que el propio disparo, el campo de la fotografía está experimentando cambios vertiginosos. Javier Luengo es fotoperiodista y fotógrafo documental, apasionado de la fotografía analógica y ha trabajado para agencias, editoriales, “combinado con otros trabajos que me daban más poder adquisitivo”. Desde muy joven tuvo "la necesidad de crear” y aunque empezó con la escritura y la música, fue la imagen la que se convirtió en el afán de su vida. Finalista de FOTOCAM 2012, Luengo compagina su tarea como profesor de fotografía con los trabajos como fotoperiodista “cuando me dejan”.

¿Cómo definirías tu trabajo?
Empecé con una fotografía muy personal, arquitectónica, de técnicas tradicionales de color, blanco y negro. Todo eso me dio una base para poder elaborar un discurso que luego he ido acoplando en la fotografía documental. Lo mío no es obra. Es fotografía pura y dura, un documento. Al trabajar para agencia te pide una manera de fotografiar, pero cuando te sueltas, te da pie a sacar tu estilo. Cuido mucho la iluminación y composición.

Finalista de FOTOCAM 2012, ¿qué aporta un concurso a la carrera fotográfica?
Los concursos ayudan a que tengas un nombre, te dan currículum y dinero. Te abren puertas, pero los premios son secundarios. Los fotógrafos no vamos a por lo premios, sí en algún momento en que necesitamos financiación, pero no es nuestro fin, sobre todo no en fotoperiodismo y fotografía documental donde realmente el protagonista es la historia que cuentas y además porque para nosotros es una necesidad para nosotros hacer fotos.

Javier Luengo

¿Y tú haces fotos todos los días?
Yo no hago fotos todos los días.

¿Cuándo las haces?
Cuando tengo fuerzas y ganas para hacerlo y algo para hacer. No hago fotos porque sí, aunque ahora con los dispositivos móviles siempre llevas una cámara en el bolsillo.

¿Y eso significa que los dispositivos móviles están desplazando a la fotografía de siempre?
No están desplazando a la fotografía actual. Es un nuevo tipo de hacer fotos. Parece que todo se puede hacer con un móvil y la gente está equivocada por la poca cultura fotográfica que tenemos en este país.

¿A qué tipo de fotografía tiene acceso la población?
Ahora mismo a casi toda por la posibilidad de usar Internet. Pero en los museos hay acceso a cierto tipo de fotografía relacionada con la industria del arte, algo que no es muy convincente porque hay intereses económicos y la gente realmente ve lo que quieren que se vea. Hay fotógrafos muy buenos que no han expuesto su obra porque no tienen acceso a esas personalidades del arte, no tienen dinero, suerte…

En los museos "la gente realmente ve lo que quieren que se vea".Javier Luengo

Ahora mismo no estás trabajando como fotógrafo. ¿Cómo está el mercado?
Muy mal porque la falta de cultura en este país hace que no se valore el trabajo de dentro y se mira más el que hay fuera. En el tejido industrial cabe casi todo: desde bodas, bautizos y comuniones, hasta un catálogo de un centro comercial, pero esto está sujeto ahora a otro tipo de gente que es multifuncional. Ha hecho que la gente se eduque en varias técnicas y que un diseñador y un redactor también puedan hacer fotografía.

¿Esto es negativo?
Es positivo porque tienes que estudiar otras cosas y te influencias de otra creatividad que influye en tu obra. Anteriormente los fotógrafos siempre nos hemos alimentado de proyectos de encargos industriales, pero ahora no. El bautizo lo hace el colega y el catálogo el diseñador. La gente que no se da cuenta del mercado y está rebajando lo precios, te pagan menos y los encargos van cayendo. Entonces la fotografía ha perdido valor. En fotoperiodismo pasa más o menos igual. No se valoran los fotoperiodistas de aquí y hay una generación importantísima. Por eso se van fuera y triunfan.

¿Qué fotografía te interesa más?
Todo lo relacionado con el fotoperiodismo. La fotografía de guerra me atrae muchísimo, que es algo que creo que tengo pendiente. También me interesan mucho las historias, la narrativa visual de un documental. Por citar, el trabajo de Tomás Munita, Pep Bonet, Samuel Aranda, Manu Brabo y otros fotoperiodistas.

Como amante de la fotografía analógica, ¿en qué momento se encuentra? ¿Ya nos hemos olvidado?
No. Se va a seguir tirando en analógico. Realmente lo que me gustaría y voy a intentar hacer es combinar la fotografía digital y la analógica, pararme en ese documentalismo, para tirar una placa, polaroid y diferentes formatos.

Javier

¿Cuál es tu proyecto inmediato?
Estoy trabajando la salud mental en España, sobre todo en Madrid con proyectos de desarrollo de investigación. He hecho un par de reportajes que he intentado vender, pero esto no funciona muy bien. Así que estoy intentando encontrar agencias o interesados para colaborar en este tema.

Y la enseñanza, ¿dónde queda?
La enseñanza es algo que realmente he probado y que me gusta mucho. Por eso sigo en ello, que también es un medio para poder financiarme y divulgar mi interés y perspectiva que tengo de la fotografía. Estamos obligados a poder divulgar bien esta enseñanza para que haya futuros espectadores que tengan una cultura fotográfica correcta. Es lo que falta realmente. Porque no ha habido una cultura de la fotografía en España, no ha habido referencias. La gente lo trata como una afición y desde la educación se puede hacer mucho.

Este es el trabajo de Javier Luengo

 

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ALMUDENA MONZÚ, la guionista ilusionante

"Me gustaría hacer una tele que no se avergüence de ser tele"

Almudena Monzú. Foto: Mamen Hernández

Almudena Monzú es una trabajadora alegre. En cada frase que lanza se advierte un halo cargado de vitalidad que hilvana con esa efervescencia propia de la juventud que quiere esparcirse con ganas. Guionista para audiovisual, Monzú emplea cada minuto que tiene en una creación nueva, ya sea por amor a las historias que quiere contar, esos “proyectos completamente ruinosos que uno hace por amor al arte”, ya desde dentro de un proyecto financiado al que pone su dedicación sin fisuras. La profesional acaba de presentar su cortometraje Tu cubata detonante, que ha sido seleccionado para participar en el festival de Cine Español en Berlín. Baldosas Rojas escuchó a esta "contadora de historias", como se define a sí misma, que tiene numerosos frentes abiertos.

Acabas de lanzar Tu cubata detonante , guión y dirección propias. ¿Tú te lo guisas, tú te lo comes?
Sí. Lo escribí y lo he dirigido, aunque no es mi campo de experticia. Es un corto de 16 minutos que lleva mucho trabajo, con postproducción en digital, y que estamos empezando a mover por festivales. El primero al que hemos ido es al Festival de Cine Español en Berlín. Este es el segundo cortometraje que escribo y dirijo. Es muy importante para un guionista ver las cosas que escribe rodadas porque ves lo que funciona y lo que no.  

¿Y ha salido exactamente cómo habías pensado?
Al comienzo, cuando escribes un guion, quieres que sea un guion de hierro, que sea como tú lo imaginaste. Al final un guion no es nada si no se rueda. Es un documento de trabajo para otras personas y en cierta forma te fuerza a ser muy humilde porque hasta que esas personas no agarran el documento es literatura muerta. Es muy importante que haya mucha comunión mental entre quien escribe y quien dirige cuando no son la misma persona. En España esto se da mucho, pero creo que haría más falta que hubiera menos gente que quiera ser autora total y que sí quiera ser muy buena en su oficio. 

Háblame de Fichas y Fluorestes, uno de tus blogs. 
La idea inicial era documentar mis procesos de trabajo porque pensaba que podían serle útiles a otras personas. Son reflexiones que tienen que ver con la escritura y el escritor en general, porque creo que un guionista es un escritor. Es una cosa que hago por amor a la profesión.

Y no tiene nada que ver con otro de tus trabajos, Querido Padre Dios
No. Querido Padre dios es un blog de ficción epistolar. Son cartas de una niña de 8 años muy cafre que escribe a un dios que se ha imaginado y que espera que en algún momento le conteste. Es una historia un tanto cafre, pero tierna y funciona muy bien. Se basa en relatos de memoria de mi infancia, la de mis amigos y de mi generación. Lo que acompaña a cada entrada son imágenes en VHS de cintas familiares. Además, tengo en proyecto llevarlo a papel con la ilustradora Cristina Pastrana. Va a ser un epistolario con unos papeles muy bonitos y tipografías estupendas.

Almudena Monzú. Foto: Mamen Hernández

También tienes mente hacer una novela.
Ese es quizá el proyecto más personal de todos y estoy tratando de terminarla. El armazón de la historia está completo. Falta sentarse a escribirlo y hacerlo con mucho primor. Lo más difícil, y el trabajo que me hace sudar más, es averiguar qué pasa en esa historia, cuáles son los hechos concretos. Espero poder terminarlo muy pronto.

Estos son tus proyectos “por amor al arte”, también están el resto, los que te dan de comer.
Para empezar, hay que decir que no hay grandes millonarios en esta profesión. Tengo varios proyectos abiertos. Para cine, me dieron una ayuda de Ibermedia para desarrollo de un guión importante que por el momento se llama ¡Bienvenida, Catherine! y que he escrito para una directora venezolana con la idea de rodarlo en Venezuela. Es  una especie de homenaje caribeño a Berlanga. Espero que podamos empezar a montar la producción a mediados del año que viene. Además, en 2010 me dieron un fondo del ICAA para desarrollar un guión de largo. Un guion en un cajón es una cosa muy triste, así que todavía no he renunciado a la posibilidad de que esto algún día se filme. No sé cómo se va a levantar este proyecto porque ahora mismo el dinero para el cine en España en una cosa muy incierta.

"Un guion en un cajón es una cosa muy triste" Almudena Monzú

¿Qué opinión te merecen las subvenciones?
No me parece mal que haya subvenciones al cine, pero hay que repensar por qué no están siendo las más eficientes. Me parece que, por ejemplo, si inviertes en un escalón de ese proceso en la producción audiovisual sería muy bueno invertir trabajo también en crear una red para que esos proyectos se muevan. Que se vaya generando una industria. En cualquier caso si nadie te viene a ayudar no te puedes quedar cruzado de brazos.

En tu línea de trabajo, ¿eres de las que se encierra durante días a escribir?
Casi nunca. El guionista es un escritor muy farandulero, siempre rodeado de actores,  productores, de lío… Si las condiciones para escribir no se dan, yo no puedo retirarme a un monasterio a escribir en soledad absoluta porque tengo que mover otros proyectos. Hago un gran esfuerzo de disciplina mental y trato de encontrar los espacios para hacerlo. Para eso sí soy bastante disciplinada aunque no sean las condiciones ideales.

Hace unas semanas hubo una promoción para ir al cine y Madrid se ha llenado de colas para entrar. ¿Qué te parece?
El cine es un gran misterio en general. Esta promoción es la quinta edición que se hace y todo esto era un tanteo. Y aunque ha habido mucha polémica por quién lo financia, la imagen de ver los cines con gente haciendo grandes colas me hace muy feliz. Si hemos visto que con este esfuerzo pasa esto, hay que pensar en por qué no somos prácticos y vemos qué ventajas y beneficios podemos sacar. Los que más admiro en ciertos países es la manera en que protegen su cultura y una manera de hacerlo es con un nivel impositivo más pequeño.Porque también es verdad que si pones las cosas más baratas a lo mejor hay  más gente que las compra. Lo que está por ver ahora es qué pasa después de esta fiesta de cine.

¿Hay alguna historia que como guionista no contarías nunca?
No tengo un tabú moral. El cura interior o los prejuicios de uno son uno de los peores enemigos de cualquier persona que escriba sobre cualquier tema. Tienes que intentar entender a todo el mundo y entenderlo todo. Es parte de la dificultad del proceso.

¿Algo que te encantaría haber escrito?
Sonará a lugar común, pero me pasa cada vez que veo Los Soprano. Si yo hubiera escrito esto, sería la persona más feliz. Es la madre de todas las series. Resulta muy extraño un guionista que ahora no sea seriófilo porque los mejores guiones los están haciendo para televisión.

¿Y a ti encantaría trabajar en una serie?
Sí. Y de hecho, alguno de los proyectos que no puedo desvelar va por ahí. Yo ya he hecho tele, pero me gustaría hacer esa tele que no se vergüenza de ser tele. Ahora hablo como espectadora y las series en españolas parece que no terminan de despegar. Y es quizá porque las televisiones no asumen riesgos creativos más serios cuando realmente hay un público que sí que creo que está ávido de eso. Todavía es un medio muy conservador relativo a las historias que se cuentan. Pero hay gente buena en este trabajo.

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