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Los fotógrafos dan la cara

Estela de Castro expone los retratos de grandes maestros de la imagen en La Tabacalera 

Ouka Leele. Foto: Estela de Castro

Siempre aparecen tras el objetivo, con un ojo cerrado y el otro, adosado al visor; con las manos agarrando un cuerpo. Siempre alertas, veloces cuando el momento apremia, calmados cuando el pulso lo requiere. Esta es la profesión de fotógrafo, algo que no sólo se lleva por dentro, sino en el mismo nervio. Estela de Castro ha querido que estas figuras aparquen la cámara por unos instantes y que dejen de ser los testigos para pasar a ser protagonistas.

La Tabacalera de Madrid acoge hasta el 13 de julio, dentro del marco de PhotoEspaña, la exposición Fotógrafos de la autora madrileña. La muestra presenta los retratos de grandes nombres de la fotografía alejados de su oficio habitual, algunos de los cuales todavía firman obras que quedarán en el legado fotográfico nacional.

Cristina García Rodero, Gervasio Sánchez, Ramón Massat, Ouka Leele, Valhonrat, Madoz, García Alix… así hasta 57 nombres propios de distintas generaciones inmortalizados en blanco y negro.  Rostros en los que se percibe la timidez, la profundidad o fragilidad que no acostumbramos a ver en el trabajo personal de estos maestros de la fotografía.

La muestra constituye un archivo de profesionales que han dejado su impronta y que constituyen para muchos todo un referente del mundo de la imagen. 

Dónde

Tabacalera, Espacio de Promoción del Arte C/ Embajadores, 51
Martes a Viernes: 12.00 – 20.00 horas
Sábados, Domingos y Festivos: 11.00 – 20.00 horas 
Lunes: Cerrado
Entrada: Gratuita

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El imperio de las emociones de Irene Cruz

La obra de la fotógrafa crea un universo en el que se funden la naturaleza y la mujer 

Imagen de Irene Cruz

Cuando Irene Cruz llegó a Berlín se enamoró de su luz. Con solo mirar su obra, uno puede advertir hasta qué punto la atrapó el impacto lumínico en los paisajes que hoy en día inmortaliza. Su obra es un escaparate visual de la naturaleza, un cosmos que ha hecho propio a través de la simbiosis de este con la figura femenina.

La mujer que aparece en sus imágenes, lejos de personalizarse, se universaliza dejando atrás su rostro para mostrar una emoción. Y ese es el mejor sello de presentación de esta joven madrileña: plasmar emociones. Quizá por eso no ha tenido miedo de desplegar en Arco una instalación fotográfica en la reivindica el poder contemplar una obra de arte. Porque el arte de Irene Cruz es de los que gusta contemplar.

La obra de esta fotógrafa habla en verso visual impregnada especialmente por el universo cinematográfico, la literatura y la filosofía, fuente de inspiración en sus creaciones. La artista ha estado estos días en Madrid para presentar sus proyectos en Art Madrid y en Jäälphoto, donde también ha dado a conocer su libro Blumen, un experimento editorial en el que aúna fotografía con poesía.

Baldosas Rojas habló con la artista sobre su trabajo. 

¿Cómo concibes tu fotografía?
Mi fotografía es como una forma de autoaprendizaje conmigo misma. Siempre busco un tema que me interese y trabajo sobre él. Me documento mucho filosófica y literariamente, leo, busco y profundizo sobre un tema. Por ejemplo, las vacaciones, los límites, dónde están los conceptos… La línea que tiene mi obra en común es la naturaleza, como un todo,  como una divinidad incluso. Para mí la fotografía ahora mismo lo es todo.

En la mayor parte de tu obra la mujer también es muy importante…
Siempre ha habido mujeres porque evidentemente soy mujer y me identifico mucho más con el universo femenino. Es una forma de contar a través de un cuerpo que tú conoces. Cuando me pones un hombre ya es como un reto y es lo que estoy empezando a hacer ahora, introducir la figura masculina en mi obra. Todo evoluciona, nunca me cierro a nada, pero hay una línea de la que no me salgo. Aunque evidentemente siempre me siento más a gusto cuando fotografío mujeres que cuando fotografío a hombres.

Imagen de Irene Cruz

Todas estas mujeres siguen la misma línea.
He creado una serie de personajes y todas juegan a ser yo. De hecho, son mis amigas porque lo he dicho y los títulos de las fotos son sus propios nombres. En otros casos es difícil averiguar si soy o no, pero no busco eso. Quiero que la gente se vea ahí y que pueda ser cualquiera. Me parece que a la hora de adquirir una obra de arte, poner un rostro no conocido en la pared de tu casa te resulta extraño. Yo busco contar cosas que para mí son universales. Trato de contar mi verdad, mi posición frente al mundo y  juego con un universos que he hecho míos a través de la luz, de la estética, del universo de la mujer.

¿De qué obra dispones?
Entre mis proyectos está Inner Tales en 2011, BjörkFlying without wingsFallgillity en 2012 y StimmungAus heiterem Himmel y Mär en 2013. Todos estos mezclan el paisaje, la percepción humana... También tengo uno que trata sobre las vacaciones, el hecho de vaciarte para volverte a llenar.

¿Cómo han influido Berlín y Suecia en tus trabajos?
Me enamoré de la luz en un viaje a Berlín en 2011. Allí hice la serie de saltar en los charcos y vi que eso era yo. Tuve una conexión muy grande con la luz, con el entorno y conmigo misma. Para mí fue como una revelación. Encuentras una serie de circunstancias que te abren luz, y sigues por ahí y funciona. En Suecia busqué otra línea, me tiré mucho por el blanco y negro, cosa que ya no hago.

¿Cuáles son tus autores de referencia?
Sobre todo me inspiro en el cine y destacaría a Terrance Malick, que me fascina porque tiene una obra cinematográfica muy fotográfica. Creo que mi fotografía es muy cinematográfica y por eso ahí encuentro una conexión muy grande. Mi manera de trabajar es muy parecida a la del cine. Cuando hago fotos de los altos elijo fotogramas, también llevo storyboards, aunque siempre me puedo salir del guion. Siempre ocurren cosas inesperadas que luego son muy interesantes.

Imagen de Irene Cruz

Ahora acaba de editar Blumen, un libro con imágenes y poesías.
Empezó con un juego que le propuse a una amiga amiga, le dije que jugara a ser yo y que yo sería ella.  Monté un guión, la vestí como yo, la descalcé. Ella era yo y yo era ella. Luego seguí haciéndolo con otra amiga y seguía jugando porque me gustaba y me producía una sensación nueva. Me hice con una colección de fotos que iba haciendo a mis amigas. Luego surgió la idea de poner poesía  y lancé la convocatoria por redes sociales. La gente respondió muy bien. Y las poesías están está en 12 idiomas.

Estás en Art Madrid, en Jäälphoto… y en Arco también has dejado tu semilla.
En Arco he montado una instalación un tanto reivindicativa por el valor económico de la obra, ya que es una feria que para entrar supone ya un esfuerzo económico. He elegido un tema bastante polémico, pero con toda la educación del mundo. Realicé una instalación compuesta por 24 fotos pequeñas de la serie Blumen y he puesto un texto en inglés y en español en el que explico que es una instalación #blumenarco. Las fotos se regalaban, pero si te llevabas una, tenías que subirla a las redes sociales con la etiqueta #blumenarco. Esta era mi forma de reivindicar el valor contemplativo de la obra. Al subirla a internet la ve mucha gente y aunque lo que voy a ganar es cero, voy a ganar visibilidad en mi obra porque la obra de arte es ante todo poderla contemplar.

Imagen de Irene Cruz

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JUSTMAD5 se reinventa en el COAM

La feria de arte emergente se celebra del 19 al 23 de febrero 

Galería Casa Cuadrada. Martín & Sicilia. Residencia canina 2013.Esto días llega una oportunidad de lujo para acercarse a la creación y JUSTMAD5 pone de nuevo los ingredientes para ello. Del 19 al 23 de febrero la Feria de Arte Emergente se da cita con un planteamiento renovado con respecto a años anteriores.

En esta ocasión, el certamen se celebra en la Sede del COAM (C/Hortaleza, 63) y reducirá el número de expositores con el fin de apostar por la calidad de sus propuestas. Así y para ofrecer una cuidada selección de galerías nacionales e internacionales, JUSTMAD5 centrará su experiencia en el arte emergente nacional e internacional y en la presentación de nuevos talentos que buscan no solo hacerse un hueco con sus trabajos sino consolidarse en la escena creativa.

En palabras del nuevo director artístico de la feria, Guillermo Espinosa, “estamos muy orgullosos del trabajo desarrollado, y de la cuidadosa elección del Comité de Selección de esta edición, que ha entendido las bases del proyecto: hibridación, emergencia, altura y nuevas vías en la creación pero también en la comercialización del arte”.

De esta forma, la feria se convierte en un trampolín en el que presentar los diferentes campos en los que se mueve el arte contemporáneo actual. Además, ha elaborado una mezcla de propuestas de galerías, que incluyan espacios alternativos, artista-run, spaces y otras formas entre la galería tradicional y los centros de producción independientes.  

En esta edición de JUSTMAD se afianza la vocación internacional de la feria con nuevas galerías como Galerie Dukan (París), Invaliden 1 y Galerie Martin Mertens, desde Berlín, MoProo (Shangay) o proyectos incipientes como Jim Ricks Projects (Dublín) y Módulo Centro Difusor de Arte (Lisboa).

A destacar uno de los proyectos base de esta feria que pondrá su foco en el dibujo y al trabajo de vanguardia sobre papel: JUSTONPAPER. En esta sección, se presentarán proyectos de galerías con una amplia trayectoria en nuestro país, como Galería Blanca Soto (Madrid) o Galería Javier Silva (Valladolid) y nuevos espacios con propuestas de gran calidad, como Et Hall (Barcelona), Estudio Trentatres (Valencia) o Fran Reus (Palma de Mallorca), entre otras propuestas. La feria también consolida su relación con prestigiosas galerías nacionales, ya tradicionales en nuestro encuentro, tanto jóvenes como veteranas, que han  demostrado un compromiso de base con la promoción de nuevos talentos del arte. 

*Imagen de la Galería Casa Cuadrada. Martín & Sicilia. Residencia canina 2013.

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Javier Luengo, fotógrafo

"Es una necesidad hacer fotos"

Adosarse a una cámara, pegarla en el ojo, mirar y saber mirar. En los tiempos actuales en los que la innovación va más rápido que el propio disparo, el campo de la fotografía está experimentando cambios vertiginosos. Javier Luengo es fotoperiodista y fotógrafo documental, apasionado de la fotografía analógica y ha trabajado para agencias, editoriales, “combinado con otros trabajos que me daban más poder adquisitivo”. Desde muy joven tuvo "la necesidad de crear” y aunque empezó con la escritura y la música, fue la imagen la que se convirtió en el afán de su vida. Finalista de FOTOCAM 2012, Luengo compagina su tarea como profesor de fotografía con los trabajos como fotoperiodista “cuando me dejan”.

¿Cómo definirías tu trabajo?
Empecé con una fotografía muy personal, arquitectónica, de técnicas tradicionales de color, blanco y negro. Todo eso me dio una base para poder elaborar un discurso que luego he ido acoplando en la fotografía documental. Lo mío no es obra. Es fotografía pura y dura, un documento. Al trabajar para agencia te pide una manera de fotografiar, pero cuando te sueltas, te da pie a sacar tu estilo. Cuido mucho la iluminación y composición.

Finalista de FOTOCAM 2012, ¿qué aporta un concurso a la carrera fotográfica?
Los concursos ayudan a que tengas un nombre, te dan currículum y dinero. Te abren puertas, pero los premios son secundarios. Los fotógrafos no vamos a por lo premios, sí en algún momento en que necesitamos financiación, pero no es nuestro fin, sobre todo no en fotoperiodismo y fotografía documental donde realmente el protagonista es la historia que cuentas y además porque para nosotros es una necesidad para nosotros hacer fotos.

Javier Luengo

¿Y tú haces fotos todos los días?
Yo no hago fotos todos los días.

¿Cuándo las haces?
Cuando tengo fuerzas y ganas para hacerlo y algo para hacer. No hago fotos porque sí, aunque ahora con los dispositivos móviles siempre llevas una cámara en el bolsillo.

¿Y eso significa que los dispositivos móviles están desplazando a la fotografía de siempre?
No están desplazando a la fotografía actual. Es un nuevo tipo de hacer fotos. Parece que todo se puede hacer con un móvil y la gente está equivocada por la poca cultura fotográfica que tenemos en este país.

¿A qué tipo de fotografía tiene acceso la población?
Ahora mismo a casi toda por la posibilidad de usar Internet. Pero en los museos hay acceso a cierto tipo de fotografía relacionada con la industria del arte, algo que no es muy convincente porque hay intereses económicos y la gente realmente ve lo que quieren que se vea. Hay fotógrafos muy buenos que no han expuesto su obra porque no tienen acceso a esas personalidades del arte, no tienen dinero, suerte…

En los museos "la gente realmente ve lo que quieren que se vea".Javier Luengo

Ahora mismo no estás trabajando como fotógrafo. ¿Cómo está el mercado?
Muy mal porque la falta de cultura en este país hace que no se valore el trabajo de dentro y se mira más el que hay fuera. En el tejido industrial cabe casi todo: desde bodas, bautizos y comuniones, hasta un catálogo de un centro comercial, pero esto está sujeto ahora a otro tipo de gente que es multifuncional. Ha hecho que la gente se eduque en varias técnicas y que un diseñador y un redactor también puedan hacer fotografía.

¿Esto es negativo?
Es positivo porque tienes que estudiar otras cosas y te influencias de otra creatividad que influye en tu obra. Anteriormente los fotógrafos siempre nos hemos alimentado de proyectos de encargos industriales, pero ahora no. El bautizo lo hace el colega y el catálogo el diseñador. La gente que no se da cuenta del mercado y está rebajando lo precios, te pagan menos y los encargos van cayendo. Entonces la fotografía ha perdido valor. En fotoperiodismo pasa más o menos igual. No se valoran los fotoperiodistas de aquí y hay una generación importantísima. Por eso se van fuera y triunfan.

¿Qué fotografía te interesa más?
Todo lo relacionado con el fotoperiodismo. La fotografía de guerra me atrae muchísimo, que es algo que creo que tengo pendiente. También me interesan mucho las historias, la narrativa visual de un documental. Por citar, el trabajo de Tomás Munita, Pep Bonet, Samuel Aranda, Manu Brabo y otros fotoperiodistas.

Como amante de la fotografía analógica, ¿en qué momento se encuentra? ¿Ya nos hemos olvidado?
No. Se va a seguir tirando en analógico. Realmente lo que me gustaría y voy a intentar hacer es combinar la fotografía digital y la analógica, pararme en ese documentalismo, para tirar una placa, polaroid y diferentes formatos.

Javier

¿Cuál es tu proyecto inmediato?
Estoy trabajando la salud mental en España, sobre todo en Madrid con proyectos de desarrollo de investigación. He hecho un par de reportajes que he intentado vender, pero esto no funciona muy bien. Así que estoy intentando encontrar agencias o interesados para colaborar en este tema.

Y la enseñanza, ¿dónde queda?
La enseñanza es algo que realmente he probado y que me gusta mucho. Por eso sigo en ello, que también es un medio para poder financiarme y divulgar mi interés y perspectiva que tengo de la fotografía. Estamos obligados a poder divulgar bien esta enseñanza para que haya futuros espectadores que tengan una cultura fotográfica correcta. Es lo que falta realmente. Porque no ha habido una cultura de la fotografía en España, no ha habido referencias. La gente lo trata como una afición y desde la educación se puede hacer mucho.

Este es el trabajo de Javier Luengo

 

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