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Danza maldita en la noche

Cristiane Azem habla de Night, su nuevo espectáculo en el Teatro Galileo

Cristiane Azem

Sus anteriores producciones seguidas por más de 30.000 espectadores y todo el entusiasmo que pone al explicar su trabajo dan cuenta de la pasión de Cristiane Azem por la danza. La bailarina brasileña lleva desde los 12 años moviendo su cuerpo con una indiscutible formación técnica en diferentes estilos, siendo las danzas orientales su especialidad y dedicación. Ahora, tras un trabajo previo de estudio, vivencia y experimentación corporal llevará al escenario del Teatro Galileo su próximo proyecto, Night. Un espectáculo que codirige con Myriam Soler y que aúna la danza oriental con tintes góticos y la inspiración de los poetas malditos y la literatura de lo monstruoso.

Cristiane Azem habló con Baldosas Rojas de esta obra que podrá verse del 5 al 8 de junio.

¿Qué veremos sobre el escenario? ¿Qué es Night?
Night es la puesta en escena de números de danza con un ingrediente potente de teatro gestual. Somos especialistas en danzas orientales y en esta obra hemos elegido la danza tribal como técnica base del espectáculo pero haciendo un guiño al lenguaje gestual de las compañías de Corea y Japón. La puesta es muy teatral porque tiene influencia del oriente más lejano, del butoh y este se apoya mucho en la expresividad, el gesto lento.

¿Y cuál es la historia que intentaréis plasmar con estos movimientos?
Night tiene como guion básico una especie de paralelo de tres dimensiones de vivencias: la real, la literaria y la onírica. La Lectora es quien lleva el hilo conductor de la obra, un personaje que aparece como real, pero cuya avidez por leer hace que se materialicen sus personajes literarios y sus sueños. Lo que la obra despierta en ella hace que se mezclen unos referentes de la vida real con referentes de la literatura y con sus deseos profundos de su mundo onírico. 

Siendo tan importante la literatura en la obra, ¿qué autores aparecerán?
Cuando empezamos el trabajo pensamos solo en influenciarnos por dos personajes clave de la literatura del XIX: el Frankenstein de Mary Shelley y Drácula de Bram Stoker. Pensamos en Frankenstein como la obra absolutamente paradigmática por toda la pasión que despertó en el siglo XX y como trastocó la mentalidad de los lectores decimonónicos al ser un referente de la criatura, el monstruo y el creador... Otro referente importante de lo onírico y lo fantástico de casi todas las mujeres de finales del XIX y de este siglo fue Drácula. Teníamos en mente estos dos ejemplos, pero en el proceso de creación estuvo muy presente el estudio de los poetas malditos. Y por eso decidimos integrar con sutileza algunos poemas de Baudelaire y Rimbaud o incluso la literatura de Lord Byron y Poe.

Y la mujer, como lectora, como personaje, ¿qué papel juega?
Nuestra escuela de danza tiene el grupo de estudio llamado Mujeres Malditas, un colectivo que tiene un vínculo real con la creación entre mujeres. Para nosotras el final del siglo XIX es un punto muy importante de inflexión en el papel social de la mujer. Mary Wollstonecraft, madre de Shelley, era una persona importantísima en el movimiento feminista europeo. Hay un vínculo entre Shelley y la cuestión de la educación femenina que desembocó en el sufragismo, por lo que simbólicamente la obra representa la posibilidad de la mujer de ser independiente intelectualmente, acceder a un mercado de trabajo y sostenerse económicamente sola. Nosotras hemos plasmado en la obra una habitación para la lectora como referencia al cuarto propio de Virginia Woolf. Simbolizar que el libro no es solo una cuestión de ascensión intelectual y de activismo político, también es una posibilidad de libertad en los sueños. La cuestión de la sensualidad, de aceptación del yo oculto, del bien y del mal dentro de uno mismo. Entonces La lectora pasea entre el lirismo, el deseo y la fascinación de lo que puede ser monstruoso como es el propio Drácula y la sensación de amor no entendido como el amor cortés, sino de pasión y de libertad femenina.

Cristiane Ezem (izquierda) con su equipo

Esta idea de mezclar el mundo de lo real y onírico de ¿dónde nace?
Esto nace de un trabajo vivencial que hemos hecho en la escuela con el núcleo de trabajo de Mujeres Malditas. Fue una necesidad mía de volver a un yo anterior ya que siempre he sido una apasionada de la literatura. Cuando vine a España tenía fascinación por Lorca y en Brasil uno de mis poetas referentes era Fernando Pessoa, así que invité a las chicas a crear un núcleo de estudios llamado Mujeres Malditas como un homenaje a estos autores y especialmente a la literatura de Baudelaire y al Libro Las flores del mal. Y con esto se unirían lenguaje de danza con literatura, no de cara a crear una actuación, sino de cara a crear un proceso: buscar qué música y sentimientos pudiera expresarnos esa literatura. Hay que decir que este proyecto nació con el deseo de Myriam Soler, que es la otra autora, de hacer algo con los poetas malditos. Y darle a esta actuación tintes góticos y orientales y la influencia del minimalismo japonés.

También hay vídeoarte en este espectáculo…
Dentro del proyecto Myriam quería crear un vídeo con algunos de los artistas de vídeocreación que pudiera reflejar parte del proceso que tenemos detrás de la puesta en escena. Hemos invitado a tres artistas a crear vídeos para la obra y para el núcleo de trabajo posteriormente.

¿Qué diferencia esta obra de las otras que has hecho anteriormente?
Nuestras otras obras eran de otro aspecto. Esta una puesta en escena lejana al mundo oriental, que no de la danza oriental. El resto de obras estaban orientadas a la cultura del Medio Oriente, los gitanos, eran mucho más vivas visualmente, más coloridas en la puesta en escena. Esta obra, que tampoco recurre a clichés del mundo gótico con lo que sería más fácil, es muy delicada, tiene un ritmo musical bastante más suave y parte de la música es en directo.

¿Cómo es la Escuela de Danza y Arte que diriges?
No es solo no es solo una escuela de danza oriental, sino que busca tener profesores invitados de varias áreas. Por supuesto la base de trabajo, la mía, es de danza oriental como lenguaje y danzas orientales como concepto. El perfil de la escuela es un centro de arte con núcleos de producción y creación de ámbitos distintos y para cada núcleo de creación buscamos los profesionales que nos pueden aportar otro tipo de formación que complemente a la danza como puede ser el literario o el histórico. Así que tenemos clases teóricas y alumnas de todas las edades.  

¿Qué situación vive la danza oriental en nuestro país?
La danza oriental tal y como se trabaja en España es muy alternativa en lo que se refiere al mundo de la danza y así tiene que ser porque es muy difícil esquematizarla y ponerla en escena con un nivel alto. Todavía. Creo que es un trabajo de años, al igual que sucede con el flamenco, que ha vivido muchos años de desarrollo para llegar adonde está como danza escénica, porque una cosa es el equipaje cultural y la fuerza que pueda tener un arte y otra cosa es hacerla un vehículo para contar historias y poder acceder al poder artístico que requiere estar una temporada en un teatro. Yo creo que se necesita todavía bastante desarrollo, pero ahí estamos los profesionales para intentar que ese camino se cumpla.

Night se representará del 5 al 8 de junio en el Teatro Galileo 

El violín en directo de Héctor Valera "Fiddleloop" pondrá la banda sonora a escenas de estética steampunk y dark que contará también con la música de Balanescu, Philip Glass y Wendy Sutter, entre otros.

El cuerpo de baile de Night está integrado por 23 bailarinas procedentes de la Compañía de Danza de Cristiane Azem y de su Estudio de Danza y Arte.

 Artistas colaboradores

Vestuario:  Colaboran los diseñadores Nikita Nipone, Pier Paolo Álvaro  y Gala Ramírez.

Proyecciones visuales: Sara Phillips Alcamí, Andrés Amorós, Gabriel García y la artista conceptual y bailarina Marta Serna.

El proyecto cuenta con la participación del artista de teatro gestual Fernando Cea.

 

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Surge Madrid, la muestra de teatro alternativo

Surge MadridLas salas de pequeño formato han levantado el telón para ponerse el teatro por montera. El pasado 7 de mayo arrancó el festival Surge Madrid, una muestra que apuesta por el espectáculo escénico con el fin de promocionar los teatros alternativos de la capital.

Estas son las cifras: 444 funciones, 93 estrenos y 31 espacios hasta el 31 de mayo. Una cita que reunirá creaciones vivas, con ganas de mostrarse y de dar visibilidad a las salas alternativas madrileñas. Cada obra tendrá un precio de 12 euros y la entrada se adquirirá en la taquilla del espacio donde vaya a representarse.

Como explican en la propia web del festival, organizado por la Comunidad de Madrid, la idea pretende dar la oportunidad de “promover la creación emergente como reducto natural de las nuevas oportunidades, de potenciar la investigación y el riesgo de nuevas tendencias escénicas y dar cabida a oportunidades teatrales profesionales en un formato reducido". Por este motivo, unos 30 programadores internacionales acudirán al festival para echar un vistazo a las propuestas de la capital y decidir si tienen cabida en las muestras extranjeras.  

Pincha aquí y consulta toda la programación del festival en su página web.

Cuestiones
Pero no es oro todo lo que reluce. La propuesta no ha calado de la misma forma en todas las salas. Algunos directores han mostrado sus reticencias a participar en el evento, como anunciara El País en una noticia el pasado 5 de mayo. En esta información, el diario se hacía eco de las voces de directores de salas madrileñas que quitaban brillo a Surge Madrid y a la Comunidad al considerar que la muestra era un parche pasajero para la salud del teatro independiente, más que una apuesta a largo plazo para elevar el espectáculo alternativo a la categoría merecida. 

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Si tú lo dices...yo improviso

Calambur Teatro son expertos en los espectáculos de improvisación 


Calambur TeatroUno puede estar tranquilamente sentado en el metro, en plena calle o tomando algo en una cafetería y que, de repente, aparezca un joven o una joven, o ambos, y monten un espectáculo que sorprenda a todos. Steward Peña y Elisa Espinosa son esos genios optimistas que no tienen miedo de decir “sí” y de decirlo sin seguir un guion, ni achantarse ante los tiempos que corren. Juntos forman Calambur Teatro, una empresa teatral dedicada al espectáculo de improvisación que por igual se sube a los escenarios, organiza eventos para empresas o imparte formación dramática a gente de diversas edades. Su sueño es llevar esta técnica a grandes escenarios y seguir apostando por la cultura como modo de vida. Este es su proyecto profesional. 

¿Qué es Calambur Teatro?

Steward: “Somos una empresa teatral dedicada a crear espectáculos, a realizar eventos para empresa, con una escuela de formación donde enseñamos teatro y  técnica de improvisación y también nos dedicamos a hacer eventos para empresas”.

¿Cuándo y cómo surge Calambur Teatro?

Steward: “Surgió en 2010 como asociación cultural cuando tuve la idea de crear una compañía propia en la que pudiéramos profundizar en la improvisación e investigar cómo esta podía abarcar más ámbitos que un único escenario. Podía también formar parte de una formación para empresas, de las estructuras de eventos, etc. Empecé solo con un equipo de compañeros y dos años más tarde llegó Elisa y encontramos la perfecta comunión porque los dos somos actores. Ella entró a meter más rigor teatral en todo lo que hacíamos”.

Elisa: “Vimos que encajábamos muy bien, teníamos la misma forma de ver el espectáculo, la forma empresarial, la forma de vida y cómo nos gustaba un espectáculo. De ahí surgió que le daríamos un punto más profesional a lo que se había creado y nació la empresa. Son ocho horas de trabajo de oficina más la que echemos de ensayo, entrenamiento y las funciones. Por eso decidimos dedicarle más tiempo y ganas a que fuera un proyecto más grande, no solo una compañía de teatro”.

Elisa y Steward

La empresa la conformáis ambos y tenéis un elenco para espectáculo de 10-12 personas. ¿Qué tipo de obras escenificáis?

Elisa: “Hacemos de todo. Tenemos dos formas de trabajar: tenemos una idea y montamos el espectáculo o nos llega la propuesta y lo vamos moviendo. Pero todo centrado en la improvisación. Nos centramos en esto porque, primero, es la vida de Estu y a mí me lo supo contagiar; y segundo, porque es algo que tiene mucho auge, posibilidades y sirve para todo”.Steward: “En teatro tenemos dos obras en cartel; una producción infantil en la Nave 73 los sábados por la mañana y un show para adultos en La Escalera de Jacob los viernes y sábados. Pero también hacemos bolos en bares, eventos para empresas”.

Ahora estáis también muy involucrados con los eventos de empresa…

Steward: “Después de estar haciendo las primeras obras de teatro, nuestro boom fue la empresa. Hemos trabajado con Ikea, Cola-Cola, National Geogrpaphic, Nebraska o Telefónica… por un lado, haciendo improvisación en la calle y por otro con los propios trabajadores enseñándoles cómo es la técnica  de la improvisación y cómo pueden aplicarla al trabajo.

Elisa: “Con la ‘impro’ se puede hacer todo y sirve para todo, desde la formación de gente que quiere pasar un rato, divertirse, crear equipo o hablar en público. Te sirve para tu vida porque te da una forma de verla muy positiva, porque la ‘impro’ es todo sí.

También tenéis un centro de formación ¿cómo funciona?

Steward: “En la escuela Calambur tenemos 6 grupos de alumnos de edades entre los 16 y 60 años en los que enseñamos la técnica de la improvisación en distintos niveles y ámbitos: desde la ‘impro’ deportiva, a los espectáculos cómicos o las estructuras dramáticas dentro de la improvisación”.         

Y entre espectáculos, eventos y formación, ¿cómo os organizáis?

Steward: “La verdad es que estamos muy contentos porque no paramos. Dormimos poco, pero con gusto”.

Elisa: “Estamos en el punto de que hay que hacerlo todo y aunque a veces a priori parece que no te va a compensar, lo hace de cualquier manera. Lo importante es que nos conozcan, que suene, que te busquen y vayan a verte. Aunque la cosa está muy difícil, nosotros hemos decidido darle la vuelta a la tortilla, ver el sí por todos lados y tiramos por ahí. Tenemos mucho porque nos lo curramos mucho y le decimos a todo que sí”.  

           

¿Hacia dónde queréis ir? ¿Dónde os gustaría actuar?

Steward
: “Por un lado tenemos el sueño del local propio y que no dependamos de alquileres por horas. Que tengamos nuestra escuela donde podamos no solo dar ‘impro’ sino todo tipo de disciplinas artísticas. Nuestro sueño es llevar la ‘impro’ a los teatros grandes, algo a lo que que poco a poco  se está llegando”.

Elisa: “Queremos que a la improvisación se le dé valor, que seamos considerados igual de profesionales que otros actores. Por eso nos gusta tanto la labor de la formación porque nosotros en lo que creemos es en lo que queremos que sean los profesionales de mañana”.

¿Cómo valoráis el panorama actual de la interpretación?

Steward
: “No se nos está ayudando nada con el tema de la IVA. Tienes que pagar autores… gestión de venta de entradas, etc”.

Elisa: “A la gente que le gusta el teatro sigue yendo. Pese a todo lo difícil que nos lo están poniendo, yo jamás en mi vida he visto una explosión artística como la que estamos viviendo ahora mismo. Hay mil obras, cierran una sala y abren dos. Nos estamos viniendo arriba ante la situación. Quien quiere contar y quiere hacer cosas está manteniendo viva la cultura, lo estamos haciendo".  

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Pasen (al agujero) y vean

The Hole2 ofrece su espectáculo de varietés en el Teatro La Latina 

The Hole 2. Foto: Paco Manzano

Si decimos rata y hombre, si decimos rata y hombre y amor… quizá suene un tanto estrambótico. Inaudito. Incomprensible. Pero quizá eso sea, esa mezcla de géneros y esa historia surrealista lo que conforman la señas de identidad de  The Hole 2 como espectáculo. No hace falta haber visto The Hole 1 para enganchar con esta segunda parte que puede verse estos días en el Teatro La latina, pues aunque la última conserva la esencia de la primera, tiene su show y argumento propio, cuyo engranaje independiente funciona por sí mismo.  

La función arranca con un maestro de ceremonias (en este caso Fernando Gil, aunque generalmente suele estar Alex O’Dogherty) que cuestiona la diversión y afronta el momento de casarse, de llevar una vida convencional, hasta que advierte que ha vuelto a entrar en el agujero para tropezar con su antiguo amor, la rata María del Mar.

Aquí comienzan las dudas y aflora un espectáculo en el cabe de todo: una madame que interactúa con el público, los comentarios más mordaces sobre lo fugaz del amor, lo perecedero de la pasión o las críticas a las políticas gubernamentales. Todo aderezado con los tintes más canallas, un desfile de cuerpos que no tienen pudor al mostrarse y un cóctel de emociones que los artistas no tienen miedo de enseñar (ni de dejarse se dejan tocar).

En el elenco se mezclan desde Vinila Von Bismark a María Adamuz, pasando por Álvaro Ramírez Moya, Sergio David Blanco, Nomi Magic, Marchu Lorente o Marilen Ribot Estelrich, entre otros, en un show coral con el desparpajo asegurado. Y es que aunque puede que el agujero tras el que se cobija un ratón sea pequeño, en The Hole 2 puedes disfrutar de actuaciones de circo, cabaret, magia, a música en directo, un espectáculo de variedades sobre un escenario que vuelve a convertirse en la sede de la diversión y la transgresión.    

The Hole2, imagen del espectáculo.

El público es también una parte importante y fundamental del espectáculo. Porque los espectadores de  The Hole 2 no están solo para ver, sentir y aplaudir, sino para participar. Por eso han hecho de las redes sociales una de los pilares de interactuación con el público colocando varias pantallas junto al escenario para que los asistentes puedan ver los mensajes que envían durante la actuación. Además, tienen la oportunidad de cenar mientras disfrutan de la velada e incluso pueden ganar un jamón gracias a un bingo improvisado cuyos cartones se entregan durante el descanso.

Y así, entre acrobacias, sugerencias, baile, explosión luminosa y magia… The Hole 2 entusiasma tanto a jóvenes como a mayores que ocupan su asiento del Teatro de la Latina para salir de la sala con la cara llena de optimismo. Porque este espectáculo no quiere ser una estampa de tristeza, sino un chorro de energía, alegría y buenas vibraciones donde cada noche puede ser diferente.

Aquí, hasta las ratas tienen su halo de grandeza. Porque nunca se sabe lo que nos podemos encontrar dentro de un agujero. Pasen y vean. 

 

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Se busca talento en artes escénicas

Los Teatros del Canal convocan de nuevo Talent Madrid 

Los Teatros del Canal buscan otro año más nuevos artistas que quieran potenciar sus cualidades. La Consejería de Empleo, Turismo y Cultura ha presentado la segunda edición de Talent Madrid con la idea de apoyar a los creadores e impulsar y descubrir nuevos nombres en las artes escénicas.

El concurso se desarrolla en los Teatros del Canal en colaboración con Talent Festival  y en él pueden participar creadores, dramaturgos, coreógrafos y compositores, así como lanzarse otras propuestas de artes alternativas.

Edición de Talent Madrid 2013No importa el nivel profesional en el que se encuentren los aspirantes. El objetivo de Talent Madrid es “dar visibilidad y ofrecer oportunidades a todos aquellos creadores con una idea innovadora para poner en marcha un espectáculo de teatro, de danza o musical”, explican desde la organización.

En la pasada edición presentaron sus proyectos más de 450 artistas. En esta ocasión, se incorpora a la programación la categoría circo y artes alternativas, en la que tendrán cabida propuestas no convencionales como circo, cabaret, burlesque o comedia de sketch.

Fases del concurso
Talent Madrid se desarrolla en diferentes etapas. En primer lugar, se realiza la convocatoria de la edición; a continuación se puede realizar la presentación  de proyectos en la plataforma online que serán seleccionadas por votaciones en las redes sociales y expertos en arte. Después, el desarrollo creativo de las obras se realizará en los Teatros del Canal y su exhibición corresponderá al festival mismo Talent Madrid 2014.

¿Cómo participar?
Basta con contar con una idea original, una cámara y acceso a Internet.  Pueden aspirar al premio todos los creadores españoles (residentes o no en el territorio nacional) y residentes extranjeros mayores de 18 años. El plazo está abierto desde 13 de diciembre al 13 de febrero.

Para ello, los participantes deberán subir a la plataforma un vídeo de hasta dos minutos donde muestren la esencia de su idea. Las obras deben ser originales y no haber sido producidas comercialmente.

Combinando la opinión de un panel de expertos, de reconocida trayectoria en el panorama de las artes escénicas, y la votación popular en Internet saldrán los nombres de los 60 finalistas.

La votación estará activa del 14 al 28 de febrero de 2014 y será el 4 de marzo se hará público el listado de 60 finalistas. A partir de ese momento, la dirección del festival, junto con otros mentores, se encargará de asesorarles en aspectos artísticos y técnicos durante el ensayo de una versión de 8 minutos de su obra, que se exhibirá finalmente ante el público de Talent Madrid. 

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Y estas son mis lágrimas

La Sala Tú acoge los miércoles la obra 'Intimidad', de Iván Ruiz Flores

Silla de Intimidad. Foto: Intimidad
En un escenario desnudo sin más artificios que una silla y un suelo de arena, cuatro personajes se descubren al público, ahondan en lo más profundo de su dolor, escarban y lo expulsan.  No hacen falta luces espectaculares ni un diseño estrambótico para que estas personas  lancen sus miedos, casi vomitando escenas que les han dañado por dentro.

Intimidad es eso. Cuatro historias que necesitan ser contadas porque están listas para el desahogo. Dos mujeres y dos hombres en los que impera su piel por encima de sus vestidos, donde las aprensiones salen a escena en un espacio que se transforma en un confesionario en el que redimirse. Los espectadores pasan a ser testigos de las miserias y se convierten en algo más que un oyente al que le llegan los sonidos del rencor. Porque este texto, obra de Iván Ruiz Flores, consigue que el público no se aburra, sino que quiera saber más de la problemática de las relaciones humanas, de la intensidad destructiva de los amores frustrados, de los crueles envites de la crisis y o del denostado desgaste familiar.

El guionista y director vuelve a ponerles alma a cuatro personajes a los que otorga una historia diferente pero con un hilo común. Está la mujer que desgrana su melancolía y tristeza por la vida que ha llevado con su marido o el joven abatido por la crisis que todavía recuerda su primer desenfreno sexual. También está la muchacha afligida por la relación de tormento con su padre y por la insalvable pérdida de su madre; y el hombre que sufre no solo sus problemas, sino por los de los demás, y que acaba por unirlos a todos y convertirse en alguien de carne y hueso.  

Intimidad es un espejo de la situación actual que atraviesan cientos de familias, donde una relación de pareja se encalla por el paso del tiempo. Es la historia de cómo la quiebra económica arrincona los sueños y te obliga a buscar comida en una esquina de la calle. Intimidad es ese “yo interno” que se esconde muy dentro y que quiere salir fuera, el rencor de haber querido ser valiente y no haber tenido valor, el desahogo del sexo hecho palabra o el dolor en forma de texto. 

Por eso no hace falta que los personajes se muevan en el escenario, ni que interactúen entre ellos, ni siquiera que digan su nombre, ya que son capaces de empatizar con el espectador desde su posición inalterable, dejando a lo sumo escapar alguna lágrima.

Esta es una historia de sinceridad interpretada por un elenco de cuatro ases como son Carmen Mayordomo, Claudio Sierra, Nahia Láiz y Rikar Gil.

La obra puede verse los miércoles en la Sala Tú de Madrid

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